Live-Action-Rezensionen

Wie schon bei den Vorgängerwerken, an denen sich der Film orientiert, dem Manga wie der Animeserie, vereinen sich auch hier überdrehte Comedy mit stillen, introspektivischen Szenen, und das nicht wirklich überzeugend. Die Comedy überwiegt und dominiert diesen Film, und das von Anfang an. Das bedeutet: Man kommt in den zweifelhaften Genuss von dem üblichen über alle Stränge schlagenden Gehampel plus völlig übertriebenem Grimassieren, wie sich das für eine Nonsens-Komödie eben so gehört. Sonst nämlich ist es nicht lustig.

So wenig also vertraut man den eigenen Fähigkeiten, Humor zu inszenieren auf der Grundlage stimmigen und glaubwürdigen Personals. Denn daran liegt es nicht. Die Charaktere sind an und für sich durchweg glaubwürdig, auch wenn manche gehörig einen an der Waffel haben. Die Bahn für alleine daraus resultierender Komik wäre also frei.

Wie der Film beginnt, könnte manchem bekannt vorkommen. Wie in einem beliebten Alptraum von Freudschen Ausmaßen erwacht der Protagonist Iori Kitahara scheinbar an einem sonnendurchflutenden, paradiesisch einsamen Strand, völlig nackt, nur um sich kurz darauf in der Fußgängerzone wiederzufinden. Der arme Kerl hat keinerlei Erinnerung daran, was zu dieser Situation geführt haben könnte, und bevor die Polizei den Perversen schnappt, flieht er Richtung Uni, wo es ihm anhand der auf seinen Körper gekritzelten Botschaften gelingt, wenigstens für untenrum was zum Anziehen zu finden. Aber irgendein Schicksal scheint immer wieder auf Reset zu drücken, und so erlebt er die gleiche Szene noch ein paar weitere Male, ähnlich wie in jenem Film, an dem täglich das Murmeltier grüßt.

Die Spur des Ungemachs scheint auf eine der Izu-Inseln zu führen, genauer: zu einem Shop für Tauchausrüstung, dem titelgebenden »Grand Blue«, dem auch ein Tauchclub angeschlossen ist. Dort trifft Iori nicht nur seine heimliche Liebe, seine Cousine Chisa, die er Ewigkeiten schon nicht mehr gesehen hat, auch sein Leidengenosse Kouhei, dem ähnliches widerfahren ist und den er unter ähnlichen Umständen kennengelernt hat, ist nun mit von der Partie.

Und dann ist da natürlich noch der Tauchclub, dessen Mitglieder sich eher freizügig geben und der für allerhand Streiche und Partyeinlagen gut ist, letztere gern im spanischen Stil, immer etwas an "Macarena" erinnernd. Der Moment, als die beiden sich breitschlagen lassen und dem wilden Verein beitreten, gehört zu den Höhepunkten des Films. Vor allem, weil die Comedy gegenüber den ernsteren Seiten nun etwas zurücktritt und sowohl den Charakteren mehr Tiefe gegeben wird als auch die Natur, vor allem die unter Wasser, mehr Raum bekommt. Denn die optische Qualität des Film ist durchaus beeindruckend. Alles wird überstrahlt von der mediterranen Intensität des Lichts, von der Lebenslust der Bewohner und der sommerlichen Wärme und Behaglichkeit, die den Zuschauer in seinen Bann zieht.

Zu den Höhepunkten zählt, trotz aller Slapstick-Comedy, auch der Talent- oder Schönheitswettbewerb (whatever, so ganz hab' ich das nicht begriffen), wo in die Tiefen arrangierter Oberflächlichkeit eingetaucht wird und wo eine der besten und anrührendsten Racheaktionen inszeniert wird, die ich bisher erleben durfte.

Am Ende weiß der Zuschauer nicht so recht, was das war und was das sollte. Der mysteriöse Beginn enpuppt sich als etwas völlig anderes, was aber die allgemeine Glaubwürdigkeit eher beschädigt, der Schluss gibt sich gedankenvoll mit einigen Lebensweisheiten wie "es kommt nicht darauf an, was du kannst, sondern was du willst", die Romanze bleibt in der Luft hängen, und der Tauchclub mit dem bemerkenswerten Namen "Diving Circle Peek-a-Boo" gibt sich zwar angemessen sympathisch wie idiotisch zugleich, übt sich aber doch sehr in Zurückhaltung nackter Tatsachen. Wer also angesichts des Covers sich mehr erwartet hat, wird wohl enttäuscht.

Die Darsteller agieren zwar überdreht, knorrig, exzentrisch und leicht gaga, aber sobald keine Comedy auf dem Plan steht, vermögen sie es, sich in die Herzen des Publikums zu spielen. Gerade, weil man es mit einer Reihe gutmütiger, sympathischer und dennoch taffer Mädchen zu tun hat, aber auch, weil zwei knackige Jungs das Set bevölkern, mit deren sexueller Ausrichtung auch immer etwas gespielt wird. Auch das ganz genretypisch also.

Wer also mit Komödien im Stil von Louis de Funès gut zurecht kommt, hat gute Chancen, auch »Grand Blue« etwas abzugewinnen. Sicherlich mehr, als dies dem Rezensenten gelungen ist.

Dünn ist die Schale der Zivilisation. Sehr dünn und sehr zerbrechlich.

Auschwitz kennt wahrscheinlich jeder, zumindest dem Namen nach. Aber wer hat schon von Lager 731 und der zugehörigen "Spezialeinheit" gehört? Wie das KZ von Auschwitz unauslöschlich mit dem Namen Josef Mengele verbunden ist, hat das Grauen auch hier einen Namen, und der lautet Shirou Ishii. Seines Zeichens Mikrobiologe und Generalleutnant, betreibt er an den Gefangenen des Lagers etwas, das mit "Experimente" und "Studien" nur äußerst unzureichend beschrieben ist und diesen unschuldigen, hehren Worten auch in keiner Weise gerecht wird.

Als ich an diesen Film herangegangen bin, war in etwa klar, was mich erwartet. Naja, was soll schon sein, habe ich mir gedacht. Du hast das Texas Kettensäger-Massaker und seine Nachfolger gesehen, du hast alle Filme der Saw-Reihe gesehen, wird also schon nicht so wild sein. Und dennoch: Darauf war ich nicht vorbereitet. Denn die hier erlebte Konfrontation mit den Bildern, mit dem Entsetzen, der nackten, unverstellten Angst und den unwirklichen Ausmaßen unmenschlichster Torturen sprechen jedem Vorstellungsvermögen Hohn.

Deswegen, und weil man die Usermeinung auf IMDb: "Guaranteed to ruin your day" ernstnehmen sollte, folgt an dieser Stelle erstmal der Tipp bzw. eine Warnung an die arbeitende Bevölkerung: Schaut diesen Film im Urlaub! Ansonsten seid ihr für die nächsten Tage zu nichts Vernünftigem mehr fähig. Ein normales Wochenende reicht zur psychischen Wiederherstellung wahrscheinlich nicht aus. Und auch die Niederschrift dieser Rezension hier war erst mit vielen Tagen Abstand möglich.

Homo homini lupus – der Mensch ist des Menschen Wolf. Der menschliche Erfindergeist ist zu den erstaunlichsten Leistungen fähig wenn es darum geht, was man anderen Wesen antun kann. Berichte aus Mittelalter und Antike geben beredtes Zeugnis darüber, und auch die Folterkammern, die man heute besichtigen kann, vermögen einen plastischen Eindruck davon zu vermitteln. Aber immer auch auf sehr unzureichende, da oberflächliche und abstrakte Weise.

Der Film bildet das schiere Entsetzen ab, die Verhältnisse im Lager, das, was man "Alltag" nicht nennen möchte. Bis hin zum bitteren Ende, dem Zusammenbruch der Front und der restlosen Zerstörung der Einrichtungen durch die Japaner selber. Restlos beinhaltet dabei durchaus auch das Schicksal der Insassen. Sämtlicher Insassen. Erzählt wird das anhand eines japanischen Jugendcorps, das darin erzogen werden soll, zu echten Männern heranzuwachsen und die dort Gefangenen (zum Großteil Chinesen) als den letzten menschlichen, besser: menschenähnlichen Müll zu betrachten. Was anfangs natürlich misslingt. Denn einer der Jugendlichen freundet sich mit einem der internierten chinesischen Kindern an, einem stummen Jungen, dem noch ein sehr spezielles Schicksal beschieden sein wird. Neben den unsagbaren Misshandlungen ist dies ein weiterer Aspekt, der den Film prägt und mit dem man als Zuschauer zu kämpfen hat: Das Brechen der Menschlichkeit in ihren Seelen.

»Men Behind the Sun« (welches die "Sonne" ist, hinter der die Männer stehen, sollte sich dem an japanischer Geschichte Interessierten unmittelbar erschließen) ist ein Film, der für Freunde des verstörenden Horrors oder gediegenen Splatters wenig geeignet ist. Allein schon das Bewusstsein, daß solche Dinge wirklich geschehen sind und daß dies wohl nur die Spitze des Eisbergs war, steht dem entgegen und lässt das Erlebte in gänzlich anderem Licht erscheinen. Den Zuschauer erwartet eine Handlung voll klinischer Kälte, genauer Dissektion menschlicher Abgründe, ohne eine direkt eingebaute moralische oder didaktische Stellungnahme, wie es bei westlichen Produktionen so gern der Fall ist. Das heißt auch: Es gibt keine gekünstelte Emotionalität, keine inszenierte Betroffenheit, wie bei vielen Ami-Filmen üblich. Kein Appell an das Menschliche oder an zivilisatorische Standards. Nur reine, nackte Dokumentation gefühlskalter, barbarischer Unmenschlichkeit, fast im Kammerspielformat. Keine Epicness, kein Hoffnungsstrahl, sondern die ausweglose Hölle.
Mit all dem wird der Zuschauer alleine gelassen. Das ist volle Absicht. Keine Figur wird als Protagonist etabliert, es bietet sich nirgends ein Held als Identifikationsfigur an, mit dem man mitfiebern könnte. Das Spiel der Akteure ist unmittelbar und ungekünstelt, mehr dokumentarisch als dramatisch, schroff und kompromisslos.

Dieser Film will die Verhältnisse im Lager wiederauferstehen lassen, daher die dreckige Grafik und die klare, gnadenlose Sicht der Dinge. Samt der Bloßstellung der diabolischen Lust an Perfidie und purem Sadismus. Der nur darum existiert, weil man es darf. In der Sicherheit und Selbstversicherung nicht nur der eigenen Überlegenheit als Herrenrasse, sondern auch der eigenen Unangreifbarkeit. Nicht nur, weil man es kann, sondern im vollen, unerschütterlichen Bewusstsein, daß es einem zusteht.

Daher setzt die Regie schon früh äußere Zeichen innerer Verfallenheit und Verrottung, beispielhaft in den Bildern konservierter, in Formalin eingelegter Präparate ekelhaftester Art. Dennoch entfaltet der Film seine Wirkung nicht durch reinen Splatter oder schieren Horror, sondern zielt auf die psychologische Ebene. Auf der er ins Herz des Zuschauers zu treffen vermag, auf verheerende Weise.
Die Reviews, die man auf einschlägigen Seiten, etwa IMDb, lesen kann, stellen natürlich diese grauenhaften Schockeffekte in den Mittelpunkt, auch weil das so ziemlich das einzige ist, dessen man mit Worten habhaft werden kann. Daher werden auch immer die gleichen Scheußlichkeiten angesprochen wie etwa die Szene in der Unterdruckkammer, wo zu sehen ist,und natürlich das Frostexperiment, wo draußen bei sibirischer Kälte einer Frau die Arme vereist werden, welche anschließend
Sowie, als Gipfel der Perfidie, der Auftritt des oben angesprochenen stummen Jungen, der sich so unschuldig kindlich freut, endlich auch mal zu etwas nützlich sein zu können, und sich fröhlich und nackt auf den Operationstisch legt, wo er anschließend mit Chloroform betäubt wird. Was nun folgt, ist jedoch keine Operation,Da, muss ich gestehen, war auch bei mir der Ofen aus und ich hab immer mal wieder eine halbe Minute vorgespult.

Solche Szenen entfalten ihre schockierende Wirkung natürlich (und vor allem) wegen der special effects. Ganz einfach deswegen: es gibt keine. Zur Zeit des Drehs gab es in China kaum Experten für special effects, daher hat man – Ausnahme: die Katzenszene –, mit offizieller Erlaubnis, und im Falle des kleinen Jungen natürlich auch mit der Einwilligung der Angehörigen, echte Leichen genommen, teils auch Innereien von Tieren. Wer ein wenig Ahnung von Anatomie hat, erkennt das auch. Aber trotz dieses Wissens ist der Effekt auf den Zuschauer in psychischer Hinsicht schlicht katastrophal. Keine Tricks und keine Effekte dieser Welt hätten diesen Schock in dieser Intensität auslösen können.

Seit einiger Zeit ist der Film wieder im deutschen Sprachraum verfügbar. Also auch auf Amazon, und da muss ich etwas schimpfen: Was ein wenig sauer aufstößt, ist die Coverauswahl bei manchen Publikationen. Denn dort versucht man offenbar mit einem "best of Schockmomente" potentielle Käufer, vor allem bei den Splatterfans, abzufischen. Das ist effekthascherisch und billig, und das hat dieser Film nicht verdient!

Wer einen stabilen Magen hat und das Gemüt eines Metzgerhundes, sollte sich auf alle Fälle die unzensierte Version antun, und zwar im Originalton, da dieser (wie immer in solchen Fällen) die Drastik und die Härten in Sprache und Umgang weit verstörender transportiert als jede Synchronfassung das könnte.

Wer's einmal gesehen hat, dem bleiben die Bilder ein Leben lang. Ein gutes Zeichen dafür, daß diese Schockmomente nicht um ihrer selbst willen da sind. An vielen der einschlägigen Szenen, gerade in Horror-Movies, erkennt man das Gemachte und Gewollte und fängt schon an zu gähnen angesichts der Effekte, die uns schocken sollen. Hier nicht. Für einen Horrorfilm ist das alles viel zu realistisch und zu verstörend. »Men Behind the Sun« ist ein Film, den man sich wahrscheinlich nie wieder anschauen will.

"Vergiss das nie" scheint der Film zu rufen, und das ist vielleicht das, was man als Message mitnehmen könnte.

Zeitreise absolut richtig gemacht!

• Tin hat bisher eher als Ich-Erzähler funktioniert und hat damit keinerlei charakterliche Auslegung erfahren. Als Zuschauer weiß man nichts über ihn, was sich im neuen Kontext nun rächt.
• Die Geschichte wird erzwungenermaßen sehr BL-lastig.
• Bei jeder neuen Zeitschleife sind einzelne Elemente etwas anders - hier ist es aber zu viel! Man kommt sich vor, als befinde man sich in einer komplett anderen Realität, da sich viele Charaktere genau gegenteilig zu dem verhalten, wie man es eigentlich von ihnen gewöhnt ist. Ebenso wird auch ein weiteres Couple einfach eingeführt, sodass einer der Beteiligten eine 180°-Kehrtwende macht. Hier hat man eher das Gefühl, man wolle die Fans zufriedenstellen und ignoriert damit einige wichtige Charaktereigenschaften.

»20th Century Girl« ist so ein (stereo-)typischer 2000er-Film, der sich um Jugendliebe, Freundschaft und Erwachsenwerden dreht. Doch obwohl relativ viel mehr als nur vorhersehbar ist, möchte man ihn unbedingt zu Ende schauen.

Die Beschreibung klingt nach einer lustigen, leichtherzigen Romanze: Na Bo-Ra, die für ihre beste Freundin Kim Yeon-Du deren Schwarm, Baek Hyun-Jin, ›stalkt‹ und sich dabei in Hyun-Jins besten Freund Poong Woon-Ho verliebt. Pustekuchen! Von wegen ins Kissen kichern und Füße hochlegen; stattdessen bekommt man feuchte Augen und ein unwohles Gefühl im Magen. Spätestens als sich herausstellt, dass Yeon-Du eigentlich auch in Woon-Ho verliebt ist und die beiden jungen Männer bloß verwechselt hat, nimmt der Film eine drastische Wendung von Feel-Good-Romanze zu sentimentalen Drama mit bittersüßem Nachgeschmack. Denn kurz vor Ende passiert es schließlich: das Unvorhersehbare, ganz nach »Game of Thrones«-Stil.

Letztendlich geht auch darum, ehrlich zu sich selbst und seinen Gefühlen zu sein. Wie sagt man immer? Jeder ist seines Glückes Schmied. Das erkennt man in »20th Century Girl« vor allem an Woon-Hos Videoprojekt, in dem er seine Mitschüler nach ihren Neujahrsvorsätzen der Jahrhundertwende fragt. Bo-Ra hofft dabei, dass sie es im 21. Jahrhundert endlich schafft, ehrlicher zu sein. Es ist tragisch, sein Glück zu ›verpassen‹, bloß weil man nicht ehrlich zu sich selbst war – und noch dazu unfair gegenüber der Person, der das Glück verwehrt wird, sich von der geliebten Person geliebt zu wissen.

Kim Yu-Jeong (Na Bo-Ra) und Byeon Woo-Seok (Poong Woon-Ho), die beiden Hauptdarsteller, stellen ihre Figuren dabei mit so viel echten Emotionen dar. Sie wirken witzig, ehrlich, ein wenig unbeholfen – wie man sich eine erste Liebe eben vorstellt – und vor allem realistisch. Allein wie Byeon Woo-Seok seine Schauspielerkollegin anschaut … ist irgendwie ›magisch‹. Während des Filmes kann man ihnen lachen, aber auch gemeinsam mit ihnen weinen; man freut sich für sie und man leidet mit ihnen.

Zusammen mit der unglaublichen Atmosphäre des Films und dem Tempo des Films, das den Nagel auf den Kopf trifft, kann man einfach nicht mehr wegschauen.

Fazit: Obwohl die Handlung im Grundgerüst also einer typischen Teenager-Romanze entspricht, hat der Film meiner Meinung nach alles richtig gemacht und innerhalb der kurzen Zeitspanne von 119 Minuten abgeliefert. Wenn man auf romantische, nostalgisch angehauchte Liebesfilme stehen, ist »20th Century Girl« die perfekte Wahl. Ich habe jede Minute des Films genossen. Alles in allem eine bittersüße, ergreifende Ode an die erste Liebe.

Vorweg: Achtung, diese Rezension könnte – und wird vermutlich – Spoiler enthalten.

»Glaubst du an Magie … echte Magie?« Eine Frage, die in »Annarasumanara« – Nein, ich hab hier nicht einfach auf meine Tastatur geschlagen! – immer wieder gestellt wird.

Doch wer hier (möglicherweise aufgrund des Covers) eine Romanze oder eine spaßige Sendung für nebenbei erwartet, ist falsch – es wird düsterer als erwartet! Aber um was geht’s denn nun?

Ah-Yi hat es nicht leicht. Sie muss sich um ihre kleine Schwester kümmern und gleichzeitig – neben der Schule – noch andere Sorgen einer Jugendlichen schultern. Eines Tages, gerade als ihr alles zu viel wird, lernt sie jemand Besonderes kennen: Lee Eul ist ein Zauberer, der in einem verlassenen Vergnügungspark wohnt. Aber anstelle von »Bibbidi-Bobbidi-Boo«, »Simsalabim« oder »Hocus Pocus« benutzt er »Annarasumanara« als Zauberformel. Ihre gemeinsame (nicht auf die romantische Art, sondern eher auf die Bro-Art) magische Geschichte nimmt also ihren Lauf … und spannt auch schnell Ah-Yis Klassenkamerad Il-Deung ein.

»Annarasumanara« greift dabei immer wieder das Sujet des Erwachsenwerdens auf: Ah-Yi muss schnell erwachsen werden, weil sie sich um ihre Schwester zu kümmern hat; Il-Deung muss ständig lernen, damit er der ›perfekte Erwachsene‹ wird; und Lee Eul hatte in der Vergangenheit auch so einige Problemchen, die ich jedoch nicht weiter erläutern kann, ohne die letzte Folge und das Ende zu spoilern.

Dabei wird meiner Meinung nach auch schnell klar, wer hier die ›Bösewichte‹ der Geschichte sind: die Erwachsenen. Ah-Yis Eltern sind einfach abgehauen und haben sie im Stich gelassen; der Chef des Ladens, bei dem sie anfängt zu arbeiten, stellt sich bereits nach einer kurzen Zeit als Perverser, der ihr an die Wäsche will, heraus; und Il-Deungs Eltern setzen ihn ständig nur unter Druck und lassen ihm keinen Funken Freude im Leben, damit er in die Fußstapfen seines Vaters tritt und erfolgreich wird – nicht, weil er das möchte, sondern weil sie es sagen. Dabei beantworten die ›bösen Erwachsenen‹ die wichtigste aller Fragen für ihre Kinder: Wie will ich mein Leben leben? Sei es indirekt wie in Ah-Yis Fall oder so direkt wie bei Il-Deung. Die Frage ist aber: Wie würden die Kinder darauf antworten? Und wäre diese Antwort dann wirklich falsch?

Ich kenne die Vorlage leider nicht, finde aber dennoch, dass die Charaktere so vielschichtig sind, wie ich es in noch keinem K-Drama erleben durfte. (Nicht, dass ich viele gesehen hätte …) Chang-Uk Ji, den man sonst eher aus actionlastigen Werken kennt, macht einen großartigen Job dabei, den mysteriösen (und sexy) Zauberer Lee Eul zu spielen; und auch Sung-Eun Choi, die hier die Hauptrolle einnimmt, hat ein großartiges Schauspiel. Der Rest sticht hier meiner Meinung nach nicht so sehr heraus – oder, wie im Fall von Baek Ha-Na (gespielt von Hye-Won Ji) bzw. Il-Deungs Mutter, eher negativ. (Man glaubt gar nicht, wie witzig eigentlich ein Streit sein kann, wenn er schlecht geschauspielert ist!)

Und da das Ganze ein Musical ist – Ja, wirklich! – möchte ich noch ein paar Worte über ein paar der insgesamt zwölf Lieder loswerden. Das erste, »Magic in You«, hat mich dabei am überraschendsten getroffen – vielleicht auch, weil ich nicht auf die Tags geachtet habe. Hoppala~ Ich finde aber, dass es einen sehr guten Einstieg geliefert hat. Alle Charaktere werden einmal kurz dar- und vorgestellt. Doch, obwohl ich Musicals eigentlich liebe, muss ich sagen, dass die Tanzeinlagen ein bisschen over the top für mich waren. Glücklicherweise war das bei den darauffolgenden Liedern meistens nicht so künstlich und … einfach viel zu viel. Mit dem zweiten Song »My Dream Family« sowie auch mit »A Curse of Asphalt« bekommen wir zwei Lieder, die noch einmal das Motiv Erwachsene und Erwachsenwerden aufgreifen und auf die Familienprobleme von Ah-Yi und Il-Deung genauer eingehen. (Das Ganze wird später noch mit »I, as a grown up or a child« erneut aufgegriffen. Aber blablabla – ich hör’ lieber auf, mir hört liest hier eh keiner mehr zu.)

Das perfekte Ende bietet natürlich der Song, der auch nach der Serie benannt ist: »Annarasumanara« (Achtung: Video enthält Spoiler!). Ich hab dabei von vielen Seiten gehört, dass das Ende nicht gepasst hat.
Dem kann ich aber ganz und gar nicht zustimmen – vielleicht aber auch, weil ich sowieso eine Vertreterin gegen Happy Ends bin. Vor allem fand ich aber cool, dass hierbei ein Element aufgegriffen wurde, das bereits am Anfang kurz eingeführt und eher als unwichtig abgetan wurde.

So. Nun aber ohne groß weiterzulabern zum Fazit: Trotz einiger kleinerer Makel, wie das Schauspiel (mehr oder weniger) wichtiger Nebenrollen, würde ich »Annarasumanara« sehr gerne weiterempfehlen – vorausgesetzt, man hat nichts gegen Fantasy oder Gesangseinlagen. Aber: Glaubst du denn nun an Magie … echte Magie? Wenn deine Antwort immer noch »Nein« ist, dann gib der Show doch eine Chance. Ich bin mir sicher: Sie wird dich verzaubern! 😉

1983, mitten in der damals sehr ausgeprägten, japanischen Blasenökonomie, machte ein „Asadora“ (Morgendrama) namens Oshin nicht nur in Japan auf sich aufmerksam. In dem Drama ging es um den Aufstieg der bettelarmen Tochter eines Reisbauern zur Besitzerin einer bekannten Supermarktkette. Das Gesamtwerk mit insgesamt 297 Folgen von jeweils 13 Minuten Länge wurde international in ca. 60 Ländern ge­zeigt, hat bis heute treue Fans und war in seiner Gesamtheit eine der ersten rein japanischen Fernsehserien, die der Welt wieder ein durchweg positives Bild von Japan vermittelten.

Die globale Besessenheit von einer Serie war damals in den 80’ern noch eine relative Seltenheit, und dass das Ganze weltweit gleichzeitig passierte, verpasste dem Phänomen den Namen „Oshindrome“ oder auch „O-Syndrome“. Es gab Gerüchte, dass in Thailand ganze Kabinettssitzungen verschoben wurden, damit sie nicht mit dem Sendeplan in Konflikt gerieten…

Das war aus damaliger Sicht viel Aufmerksamkeit für eine Serie, welche das Lebenswerk eines armen Bauernmädchens in den Mittelpunkt stellte. Es ist jedoch auch heutzutage noch gut nachvollziehbar, weil die Identifizierung mit der Heldin sehr leicht fiel - einerseits den älteren Generationen, die teilweise unter ähnlichen Umständen aufgewachsen waren und ihre Kinder wie Oshin in besseren Umständen aufziehen konnten; andererseits auch so einigen jüngeren Zuschauern, die von der Oberflächlichkeit der Blasenökonomien zunehmend abgestoßen wurden, wenn sie nicht ohnehin schon der gedanklichen Freiheit der 68‘er Generation anhingen… oder, auf dem Schoß ihrer Eltern sitzend, einfach das Morgenprogramm mitschauten.

Zum 30-jährigen Jubiläum der Serie wurde beschlossen, ein Remake zu verfassen, das sich nur auf den Kindheitsaspekt Oshins konzentrieren und diesen Teil der Geschichte in bildgewaltigen und sorgfältig inszenierten Szenen ins Kino bringen sollte – ganz wie es einer historisch erfolgreichen Serie zustand. Bei der Auswahl der Schauspieler wurde mit Honorar nicht gegeizt und bekannte sowie beliebte Schauspieler engagiert. Die Auswahl der Kinderdarstellerin gestaltete sich besonders außergewöhnlich: Kokone Hamada wurde aus über 2700 Mitbewerberinnen für die Rolle ausgewählt. Dabei wurde nicht nur sorgfältig darauf geachtet, dass sie der Kinderdarstellerin der Originalserie, Ayako Kobayashi, ähnlich sah, sondern auch dass sie die gesamte Bandbreite der Emotionen glaubwürdig darstellen konnte, die auf Oshin in den ersten zwei Jahren nach dem Verlassen ihres Elternhauses einprasselten. Subjektiv gesehen ist ihr das herausragend gelungen. Für mich war es das zweite Erlebnis nach Mana Ashidas Posuto in Ashita, mama ga inai, dass eine Kinderschauspielerin ihre Rolle mit der Souveränität einer Erwachsenen zu präsentieren in der Lage war.

Der Film funktioniert tatsächlich auch als eigenständiges Werk sehr gut. Obwohl er die sieben Stunden Material der 37 Kindheits-Folgen der Serie in weniger als einem Drittel der Zeit präsentiert, sind fast alle wesentlichen Eckpunkte der Serie nicht nur vorhanden, sondern wegen der 30 Realjahre später datierten, verfeinerten Dramaturgie auch häufig eingängiger umgesetzt. Vermissen mag man vielleicht diejenigen Szenen in der Serie, die ausführlich auf Oshins akademische Begabungen eingehen, oder die generell ihren herausragenden analytischen Verstand betonen. Exemplarisch sei hier die Szene in der Serie genannt, als die Kleine sich wundert, dass Reisbauern als Erzeuger von Reis nicht genug Reis zu essen haben, aber diejenigen, die den Reis „nur“ verkaufen, sich sogar zusätzliches, schmackhaftes Essen leisten können.

Am Ende fallen die herausgefallenen oder gekürzten Szenen trotzdem nicht so sehr ins Gewicht. Während die Serie motivieren muss, warum Oshin später so erfolgreich sein wird, liegt der Fokus des Films nämlich auf einem anderen Schwerpunkt. Oshin muss hier gar nicht das Übertalent sein, das sich trotz aller Wider- und Missstände im Leben „vom Tellerwäscher zum Millionär“ entwickelt. Der Film betont in größerem Ausmaß, in welchem Maße Frauen in Japan ihrer Familie verpflichtet waren - und stellenweise immer noch sind. Im frühen 20. Jahrhundert bedeutete das, dass Frauen nichts für sich selbst taten, wie Mrs. Yashiro im Film treffend anmerkt, sondern für ihre Ehemänner, für die Familie, für die Kinder, für das Familienunternehmen. Der innere Konflikt Oshins um die Rolle ihrer Mutter nimmt im Film eine Hauptrolle ein, und sorgt, in seiner Auflösung an den Schluss gesetzt, für ein rundes und schlüssiges Finale, sowie insgesamt für ein sehenswertes, historisch wahrheitsnahes und emotional mitreißendes Filmerlebnis.

Serien-Kritik „The Smile Has Left Your Eyes“

Handlung und Setting:

Als Yoo Jin Kangs beste Freundin Baek Seung Ah mit dem Draufgänger Kim Moo Young zusammenkommt, ist diese alles andere als begeistert und sorgt sich um ihre Freundin. Moo Young motiviert Seung Ah dazu, sich aus dem Griff ihrer kontrollsüchtigen Mutter und ihres Verlobten zu befreien, jedoch nicht ohne Folgen. Während er sich bald sogar Jin Kang annähert, zeigt sich immer mehr seine gefährliche, rücksichtslose Seite.
Als ein großes Unglück passiert, für das Moo Young eine Mitschuld trägt, bleibt dieser ungerührt. Und auch als Beweise dafür gefunden werden, dass er in einen Mord verwickelt ist, zeigt er keine Reue und scheint alles als ein Spiel zu betrachten. Obwohl Moo Young in Jin Kangs Augen alles andere als ein guter Mensch ist, fühlt sie sich mit der Zeit doch zu ihm hingezogen.

Aber als sich Jin Kangs schließlich ihre Gefühle eingesteht, steht ihre Beziehung zu Moo Young vor weiteren Herausforderungen. Denn Moo Young weiß nichts über seine Vergangenheit, da er ohne Erinnerungen in einem Waisenhaus aufgewachsen ist. Ausgerechnet Jin Kangs überfürsorglicher Bruder und Polizist Yoo Jin Gook scheint eine persönliche Verbindung zu Moo Young zu haben und will ihn mit allen Mitteln von seiner Schwester fernhalten.

Handlungsaufbau:

Die Handlung lässt sich insgesamt in drei größere Abschnitte einteilen.

Im ersten lernen wir Moo Young kennen, der sich Seung Ah annähert, die sich auch kurzerhand in ihn verliebt. Dem gegenüber steht Jin Kang, die in Moo Young einen schlechten Einfluss sieht und Jin Gook, der als Polizist in einem Mordfall ermittelt. Bald stellt sich heraus, dass auch Moo Young in diesen involviert ist.
Mit diesem ersten Abschnitt tauchen bereits die ersten Probleme auf, denn er endet mit einem großem Unglück. Einem Unglück, für das Moo Young eine nicht geringe Mitschuld trägt. Dennoch zeigt sich bei ihm keine Veränderung, obwohl diese Wendung hier noch eindeutige Auswirkungen auf Jin Kang hat. Daneben kommt durch die Mordermittlung durchaus Spannung auf und es treten einige wenige interessante Nebencharaktere auf.

Diese verschwinden im zweiten Handlungsabschnitt aber schnell wieder.
In diesem rückt der Mordfall in den Hintergrund und es geht hauptsächlich um die Beziehung von Moo Young und Jin Kang oder wie diese sich „entwickelt“. „Entwickelt“, da sie in unglaublicher Geschwindigkeit voranschreitet, nachdem Jin Kang sich ihre Gefühle eingesteht und zeitgleich auch all ihre (gut begründeten) Zweifel verschwinden.
Einzig Jin Gook weist einen konsistenten Charakter auf, auch wenn sich aus einigen seiner Handlungen nicht sofort der Sinn erschließt.

Der Sinn dahinter zeigt sich im letzten Abschnitt, hat er doch direkt mit Moo Youngs Vergangenheit zu tun und wird von Schuldgefühlen geplagt. Zwar ergaben trotzdem nicht all seine Handlungen Sinn für mich, aber er war mir weitaus sympathischer als die anderen beiden.
Denn leider reihen sich ab diesem Zeitpunkt Entdeckungen, wiedergefundene Erinnerungen, Machtspielchen und teils sehr unlogische Entscheidungen aneinander.
Es wird zwanghaft ein großes, dramatisches Finale konzipiert, bei dem Moo Young leider zeigt, dass er sich nicht weiterentwickelt hat. Das stört am meisten, noch mehr jedoch die Tatsache, dass er einem Fremden blind vertraut, nachdem er seit seiner Kindheit misstrauisch und berechnend ist. Konkret geht es um einen einzigen Fakt, der ein tragisches Ende ins Rollen bringen soll und dass Moo Young nicht einmal Rat bei Jin Gook sucht, was viele unlogische Handlungsfehler vermieden hätte.

Kulissen, Kostüme und Effekte:

Hier ist alles stimmig, bei einer realitätsnahen Serie ist das auch nicht schwer zu erreichen.

Musik:

Die Musik ist gefühlvoll und die einzelnen (auch vokalen) Stücke sind passend gewählt und unterstreichen die Stimmung.
Tatsächlich ist die musikalische Untermalung fast schon zu gut für die Handlung, dieses Gefühl hatte ich zumindest bzw. wirkt sie verschwendet.

Charaktere:

Die Charaktere sind leider zum Großteil ebenso unlogisch und inkonsistent wie die Handlung.

Jin-Kang ist anfangs noch sympathisch, scheint sie doch hinter Moo Youngs Fassade blicken zu können und sich um ihre Freundin Seung-Ah zu sorgen. Wenig später scheint ihre Abneigung gegen ihn allerdings vergessen zu sein, denn als sie die Möglichkeit dazu erhält, verschwinden ihre Zweifel sehr schnell.
Ihren Sinneswandel konnte ich nur zum Teil nachvollziehen, da Moo Young keine Entwicklung durchmacht, außer sie zu mögen vielleicht, was er aber schon anfangs tat.

Abgesehen von ihr interessiert Moo Young sich für niemanden. Da kann jemandem, der ihm eigentlich nahe stehen sollte, etwas schlimmes passieren oder eine Freundin unter Mordverdacht stehen – er zeigt nicht das geringste Schuldgefühl und erst recht keine Trauer, zu keinem Zeitpunkt.
Besonders lächerlich wird es dadurch, dass er mithilfe von Jin-Kang sogar ein besserer Mensch werden will, aber das eigentlich nie wirklich versucht. Dennoch liebt diese ihn, hat mehr als genug Mitgefühl für ihn und fragt sich, wieso denn niemand anderes so wie sie empfindet. Auch seine tragische Vergangenheit bleibt ungeklärt. Denn er wächst (zwar ohne Erinnerungen) im Waisenhaus auf, da aber gut behütet und wird erst später immer wieder verletzt – von wem, das erfährt man jedoch nicht, trotzdem wird das immer wieder als vermeintlicher Auslöser genannt.
Durch all diese Faktoren wurde er mir nur unsympathischer und die Romanze zwischen ihm und Jin-Kang wirkte völlig fehl am Platz.

Außer den Nebencharakteren, von denen eigentlich alle nach circa der Hälfte völlig bedeutungslos werden, mochte ich Jin-Gook wohl noch am meisten.
Er wirkt im Gegensatz zu den anderen beiden nämlich menschlich und besitzt noch den Bezug zur Realität. Obwohl auch sein Charakter unter sehr unlogischen Entscheidungen zugunsten des Skriptes leiden musste, hat er meiner Meinung nach auch innerhalb der Handlung am meisten gelitten und wenigstens versucht, das Richtige zu tun.


Fazit:

„The Smile Has Left Your Eyes“ ist offziell ein Thriller, bei dem die Krimi-Elemente aber schnell in den Hintergrund geraten und stattdessen einem zu sehr inszenierten Charakter-Drama weichen. Es werden viele unlogische Entscheidungen seitens der Charaktere getroffen, die einzig für das Skript zu existieren scheinen.
Daneben gibt es bei zwei der Hauptcharaktere keine Entwicklung, sondern bei der Protagonistin sogar einen Rückschritt. Die Dramatik wird zum Ende hin derart künstlich durch eine Vielzahl von „Enthüllungen“ (und falschen Behauptungen) gesteigert, dass es für den Zuschauer teils schon einer Qual gleicht.
Das Ende, welches wohl nicht tragischer hätte sein können, hat mich deswegen auch leider nicht im Geringsten berührt, obwohl ich sonst wirklich empfindlich bin. Stattdessen fand ich es passend für die beiden Protagonisten und muss gestehen, dass ich es genugtuend fand, da meine Sympathie für ebenjene von Folge zu Folge nachließ.

Insgesamt hatte ich bei „The Smile Has Left Your Eyes“ schon zu Beginn keine großen Erwartungen, die dann aber noch einmal deutlich enttäuscht wurden.
Daher kann ich für mein Empfinden nicht mehr als 2,5 Sterne vergeben, da die Handlung für mich zunehmend unverständlicher wurde.

Serien-Kritik „I Remember You/Hello Monster“

Handlung und Setting:

Als Lee Hyeon ein Kind war, wurde sein Vater von dem entflohenen Serienmörder Lee Joon-Young umgebracht, den dieser als Kriminalpsychologe im Gefängnis betreute. In dieser Nacht verschwand auch Hyeons jüngerer Bruder Min spurlos und Hyeon verlor einen Teil seiner Erinnerungen, die mit der Tat zusammenhängen.
Jahre später erhält er eine myteriöse Email, die mit Lee Joon-Young in Verbindung steht und kehrt aus dem Ausland nach Korea zurück. Er wird in eine Ermittlung der Polizei verwickelt und trifft auf Cha Ji-An, die ihn bereits zu kennen scheint und sich sehr für seine plötzliche Rückkehr interessiert.
Später stellt sich heraus, dass auch sie eine persönliche Verbindung zu Lee Joon-Young besitzt und zusammen mit Hyeon löst sie fortan Mordfälle. Beide versuchen, den Zusammenhang zwischen den Fällen herauszufinden, der Aufschluss auf Joon-Youngs Identität geben könnte.

Handlungsaufbau:

Die Handlung ist geschickt aufgebaut, der Zuschauer erhält nur einzelne Bruchstücke des Ganzen, die sich erst am Ende zusammenfügen. So weiß man anfangs nicht, was denn genau geschehen ist, da man nur die Fragmente von Hyeons Erinnerungen sieht sowie die Hinweise der einzelnen Tatorte. Hyeons Erinnerung ist manchmal durcheinander oder verdreht, daher kann man ihn anfangs nur schwer einschätzen. Schon die ersten Rückblicke und die Tatsache, dass Hyeons Vater ihn als „Monster“ sieht, dass er vielleicht wirklich ist oder auch nicht, sorgen für Spannung.

Danach ermittelt er zusammen mit Ji-An in verschiedenen Fällen, bei denen die Täter teils schnell zu finden, aber schwer zu fassen sind. Denn seltsamerweise wirkt es bei einigen so, als hätte jemand anders die Fäden in der Hand und als wären die Täter nur kleine Rädchen im Getriebe.

Als dann der verschollene Serienmörder persönlich wieder auftaucht, passiert das an unerwarteter Stelle. Hier hat man als Zuschauer ebenfalls einen Verdacht, der sich aber erst langsam manifestiert, da es teils abwegig scheint. Nur am Ende geschah die Auflösung für mich zu schnell und vor allem das plötzliche Verschwinden einiger Charaktere verlief zu spurenlos.

Kulissen, Kostüme und Effekte:

Die Kulissen (haupsächlich Seoul) und Kostüme sind schlicht, aber passend für einen Krimi, der eben in der Realität spielt. Ebenso unauffällig wie das Bühnenbild sind die Effekte.

Der einzige Minuspunkt sind einige Szenen, in denen einzelne Elemente absichtlich „unscharf“ bzw. „verschwommen“ dargestellt sind. Darunter Set-Deko wie Figuren und Bücher, aber in einer Szene auch die Klinge eines Messers.
Scheinbar erfolgt das teilweise, da für bestimmte Produkte keine „Werbung“ in den Film-/Serienproduktionen gemacht werden darf. Hier unterscheidet sich die Definition von Werbung scheinbar deutlichen von dem, was man aus Europa oder Amerika kennt.
Das Messer hingegen wurde scheinbar so dargestellt wegen der Altersfreigabe (auf Viki FSK 16), die in Korea vielleicht niedriger ist. Beides ist leider störend und auch absurd, da Blut beispielsweise uneingeschränkt gezeigt wird und davon kommt auch nicht zu wenig vor.

Musik:

Die Musik ist ebenso passend gewählt wie die Kulisse, auch wenn es nur wenige, variierende Stücke gibt. So wird in einigen Szenen immer wieder dasselbe Stück gespielt, das logischerweise spannungssteigernd wirken soll. Allerdings wird damit ein Teil der Spannung genommen, da dieses Stück in jeder dieser Szenen verwendet wird und man sich als Zuschauer schon denken kann „Gleich passiert etwas“. Zudem ist es teils einfach unnötig, da durch die einzelnen Szenen und Dialoge genug Spannung aufgebaut wird, weshalb eine subtile Musikuntermalung ausreichend gewesen wäre.

Charaktere:

Bei den Charakteren kommen wir nun zur größten Stärke der Serie, noch vor der anfangs schwer zu durchschauenden Handlung. Denn auch hier lernt man die Charaktere erst von Folge zu Folge besser einzuschätzen.

War Hyeon anfangs schwer zu verstehen, erfährt man das wahre Ausmaß seines Traumas erst nach und nach, ebenso dass er unrechtmäßig wie ein Außenseiter behandelt wurde. Er ist eine Genie mit besonderen Fähigkeiten, dem der Umgang mit anderen Menschen als Kind schwerfiel und der nie die richtige Förderung erhalten halt.
Daher ist er als Erwachsener distanziert und wirkt arrogant, obwohl er in Wahrheit nur vorsichtig und berechnend ist. Das zeigt sich auch in seiner doch sehr hingebungsvollen Beziehung zu seinem kleinen Bruder oder zu Ji-An, letztere lernt er zu mögen und beschützt sie so gut es geht.

Ji-An war mich anfangs ehrlich gesagt sogar eher nervig, verfolgte sie Hyeon doch ständig ohne ersichtlichen Grund. Erst später wurden ihre Beweggründe deutlich und dass sie keineswegs ein „Stalker“ ist, für den sie sich sogar zeitweise ausgibt. Denn auch sie hat durch Joon-Young einen Verlust erlitten, der sie zu einem ehrlichen, aber auch sturen und mutigen Menschen gemacht hat. So kann sie Hyeon anfangs nicht leiden, entwickelt aber Gefühle für ihn und beide sind füreinander da, wenn es sonst niemand ist.

Auch wenn die Nebencharaktere insgesamt alle gut erdacht und interessant waren, fehlt ihnen allen doch eine tatsächliche Hintergrundgeschichte.

Anders als bei Joon-Young und Hyeons Bruder Min, die beide wirklich gut ausgearbeitet sind, vor allem Ersterer. Hier wird gekonnt mit dem Moralgefühl des Zuschauers gespielt, indem man einem Verbrecher und vermeintlichen Monster ein Gesicht und eine Persönlichkeit gibt. Denn auch ein Mörder kann eine tragische Vergangenheit haben auch seine Motive sind nachvollziehbar, selbst wenn die Taten grausam erscheinen mögen. Themen wie Misshandlung, Vernachlässigung und Manipulation spielen eine große Rolle, da ein Mensch durch eben diese Faktoren zu einem vermeintlichen Monster werden kann.

Fazit:

„I Remember You“ ist ein Krimi, der äußerst gekonnt mit den vermeintlichen Moralvorstellungen unserer Gesellschaft spielt und viele Facetten neben dem Denken zwischen Schwarz und Weiß offenlegt. Außer den vielschichtigen Charakteren kann auch die Handlung überzeugen, bei der sich die Einzelteile wie Puzzlestücke zusammenfügen und die Spannung bis zum Ende steigern. Einzig die Vielzahl von Charakteren hätte noch mehr Raum zur Entfaltung gebraucht, um der Serie noch mehr Tiefe zu geben.

Insgesamt vergebe ich für „I Remember You“ dennoch gute 3,8 (4) Sterne.